Jack White – Blunderbuss

Jack White grabó uno de los discos del año. Lo hizo a su manera, con todos los genes de su audio y a mitad de camino entre la casualidad y la necesidad. Entre Bob Dylan y él mismo acuñando killer riffs, este cerebro escapado del imaginario de un Tim Burton musical, camina en el desierto del Psycho Billy, el Rock & Roll y el Blues, el Bluegrass, el Folk y la Psicodelia.

Con un manejo inmejorable de los climas en poco más de cuarenta minutos, White basó su forma de trabajo para grabar Blunderbuss en la espontaneidad. Llamó a los músicos con los que grabó cuando los necesitó y los que podían, se acercaron a su estudio de Third Man Records en Nashville, Tennessee donde el ermitaño respira, vive y crea. Así, con elementos de sus proyectos pasados como Jack Lawrence (The Greenhornes, The Raconteurs, The Dead Weather) o algunas de las integrantes de The Black Belles o Ruby Amanfu, a quienes produjo, así como también su ex esposa Karen Elson que agrega voces en estudio, mientras se ampara en su nueva baterista fetiche Carla Azar (Pj Harvey, Vincent Gallo, etc).

En Blunderbluss la temática lírica parece ser el desamor y la revancha. En Missing Pieces canta “When someone tells you they can’t live without you, they ain’t lying,”, o “You brought your turnpike? Now you’re tryin’ to bring your garbage to me, I got some words for your ass, You better find somebody else up the street” apura Trash Tongue Talker. Y los ritmos son eclécticos pero no desparejos. I’m Shakin’ y Sixteen Saltines está entre lo más crudo de todo el disco, mientras que Hypocritical Kiss o Hip (Ephonimous) Poor Boy lo tienen a White detrás de la electroacústica vestido como hace cien años en la puerta de un Saloon.

Jack White estuvo con The White Stripes y cambió la forma de escuchar un riff. También abandonó esa historia para nunca más volver. Hizo otras cosas igual de buenas con The Racounteurs y The Dead Weather, se divirtió con amigos como Alicia Keys, Norah Jones y Danger Mouse. Se carajeó con Auerbach y mira de reojo a Homme. Dejó de lado el yeite de cantar como Robert Plant para encontrar su propia voz. Y cuando quiere te vuela la cabeza con el trabuco en la mano (o su guitarra).

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Dr. John – Locked Down

El audio tribal nos rodea por donde sea que empecemos a surcar el nuevo disco de Dr. John titulado Locked Down (Nonesuch – Warner Argentina). Si bien no descubre la pólvora y retoma lo hecho por su disco de 2010 aquí la novedad es que la mano de Dan Auerbach de The Black Keys explota al máximo todo el potencial de este veterano de la New Orleans y aledaños que con 71 años sacó su trabajo más acabado desde Creole Moon (2001).

El antecedente directo entre Auerbach y Dr. John se remite a fines del año pasado cuando tocaron juntos en el cierre del Boonaroo Festival, evento cuyo nombre alude a su álbum titulado Desitively Bonnaroo (1974), que es lunfardo de “pasarla bien”. Allí surgió la propuesta de hacer algo juntos y para esta movida el Black Key convocó a su amigo Brian Olive, multiinstrumentista, cantante, compositor; al trío vocal The McCrary Sisters, al bajista, baterista y productor Nick Movshon (Tv On the Radio, Amy Winehouse, Mark Ronson, Antibalas Afrobeat Orchestra, Menahan Street Band y Sharon Jones and the Dap-Kings entre otros), Leon Michels de El Michles Affair, y el germano Max Weissenfeldt de Poets of Rythm en percusión.

Pero Dr. John, que cambió la guitarra por los teclados después de recibir un balazo en uno de sus pulgares, tiene larga data en la historia musical norteamericana, en la que comenzó como solista a finales de los 50, pasó por ser sesionista de Sonny & Cher hasta ser incluído en el Salón de la Fama el año pasado.

Con todo esto Mac Rebennack (Dr. John), el Vudú entre George Clinton y Bo Diddley, se escuda en sus teclados para lustrar cada nota en tiempo de Psicodelia, Blues y Afro Beat furioso teñido del sonido de sus raíces en el estado de Louisianna, en poco más de cuarenta minutos.

Y si bien Locked Down, de lo más moderno de estos días, es parejo en su concepto con Revolution, Ice Age y Eleggua, su costado juguetón se destapa con temas como Big Shot, Kingdom of Izzness y God’s Suere Good. El botón más Indie del álbum está en Getaway, una pieza de colección donde podemos escuchar cómo sonará Dan Auerbach en cuarenta años.

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Lee Ranaldo – Between the Times and the Tides

Lee Ranaldo se destapa como un cantante dócil pero audaz en una nueva aventura discográfica que tituló Between the Times and the Tides (Matador/Ultrapop). Aquí, el guitarrista de Sonic Youth reconoce su mayor desafío artístico ya que en casi cincuenta minutos nos entrega diez canciones que son eso: canciones.

Basado en estribillos de inevitable tarareo, el mayor logro de Between the Times and the Tides reside en las melodías y los climas que aborda a lo largo del disco, lo que permite que canciones larguísimas como Xtina as I Knew Her, Waiting on a dream o Fire Islands no pesen en los oídos, sino que guíen el viaje con las historias que cuentan.

Para esta empresa Lee Ranaldo encaró las letras desde la intención de querer decir algo muy puntual y no perder el tiempo en versos abstractos, como los que suelen pintar sus poesías. Se inspiró en movimientos como el Ocuppy Wall Street y, entre otros, aquella foto famosa del beso en la revuelta de Vancouver (Shouts, donde su mujer Leah Singer relata lo que va sucediendo).

En ésa intención se fue rodeando de colaboradores interesantes como el tecladista John Medeski, Nels Cline de Wilco en guitarra, el guitarrista de Noise Pop y Free Jazz Alan Licht, Irwin Menken al bajo y los viejos amigos Steve Shelly y Bob Bert (bateristas de Sonic Youth en diferentes épocas) y otro colaborador de la banda de Moore y Gordon, Jim O’Rourke a cargo de bases y otros audios, como ya había hecho en Clouds el disco que editaron juntos hace unos años.

A partir de Hammer Blows el disco tiende a decaer en su ritmo pero no en su intesidad. Lee Ranaldo retoma la guitarra acústica con la que compuso todos los temas y aborda un audio más introspectivo y con una presencia de cuerdas en primer plano más que notoria. En Stranded la Slide acompaña a la perfección un punteo progresivo que no termina de explotar del todo, y está muy bien que así sea.

El cierre lo trae Tomorrow Never Comes, que es un cierre perfecto para un disco titulado Between the Times and the Tides porque además del guiño literario tiene un resumen de los elementos orgánicos y eléctricos que se van sucediendo en el sonido del disco. Aires Pop con guitarras de Rock crudo, palabras inteligentes, una voz hecha coral y una calidad de grabación que nos deja con la sensación de haber estado escuchando a una banda que tocaba en la habitación de al lado.

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Pontiak – Echo Ono

La combinación Stoner-Psicodelia está harto explorada, y aunque aquí no descubramos la rueda, es bueno prestarle un poco de atención porque Pontiak desembarca en nuestros tímpanos con Echo Ono, una dosis de humo de marihuana sublimado en amapola de hace 40 años.

De la combinación imaginaria entre Queens of the Stone Age y Iron Butterfly, econtramos poco más de media hora en buenas canciones que no responden a la extensa métrica tradicional del género rocoso aunque sí respiramos desierto en cada bocanada con los temas Royal Colors y Panoptica como principales abanderados del cierre a puro cuelgue de Echo Ono.

Del otro lado del disco, al principio Lions of Least y The North Coast son el tándem ultrahardrocker que invita al headbang desde Virginia, EUA. Quizás el sonido más blando del álbum venga de parte de pistas como The Expanding Sky y Silver Shadow que proponen un tiempo más relajado, de fogón y con las voces en un tono coral que por momentos recuerda a David Gilmour en el mejor Pink Floyd. El ritmo se acelera con Stay Out, What a Sight que tiene a la slide como principal protagonista, pero el aura sigue siendo el mismo, practicamente sin distorsiones.

Con fecha de fabricación en 2004 Pontiak, el trío de los hermanos Carney, caracterizó su audio por ir de lo desértico a lo lisérgico y en las canciones de Echo Ono no hay excepciones.

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Air – Le Voyage Dans La Lune

Comenzar a hablar de Air recordando de dónde vienen y qué vecinos tienen allí es casi un lugar común. Por eso esquivaremos el bulto y diremos directamente que Le Voyage Dans La Lune es uno de los discos más climáticos de 2012.

Inspirados por el film de George Méliès de 1902, el dúo francés reedita su relación con la luna que data de uno de sus discos más recordados, Moon Safari de 1998. Como toda banda sonora, la continuidad ambiental entre las pistas es la clave para disfrutar y entender mejor el viaje que propone Air, que se encuentra en mejor forma que aquella vez en la que musicalizó el film de Sofía Coppola “Las Vírgenes Suicidas”.

En Le Voyage Dans La Lune nos encontramos con piezas eléctricas como Astronomic Club, que abre el disco, y el eclectisismo de Sonic Armada que acompañó a las imágenes de la película en una suerte de corte difusión que se dio a conocer a mediados de diciembre. Parade es, también, uno de los puntos más altos de toda la mezcla que además contó con Victoria Legrand, de Beach House en Seven Stars. La lista de invitados se clausura con el trío femenino de dream pop Au Revoir Simone que suma en Who Am I Now?

Pasaron 110 años desde las primeras proyecciones de El viaje a la Luna y el revival propuesto por Scorsese en Hugo encuentra una vuelta de tuerca en Air. El alto impacto incidental que suponemos se confirmará sólo con la película restaurada digitalmente ante nuestros ojos.

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Fog Digging Sessions – Post-Hummus

Con la premisa de grabar en vivo cualquier idea que se les ocurra, llega la experiencia titulada Post-Hummus, el disco de Fog Digging Sessions, un dúo que se atreve a jugar con los ritmos que tienen más a mano para atraparnos con la versatilidad de sus canciones y lo crudo de su audio.

Desde el Bandcamp y para el mundo Yehan Jehan de la banda Antimatter People y Elliott Arndt del grupo Luara encararon un proyecto para el que se valieron de ocho músicos invitados en diferentes pasajes sonoros, cuyo concepto yace sobre la espontaneidad. Así encontramos desde Rock setentoso a lo Zappa, Dub y pinceladas jamaiquinas, Soul ezquizoide como Swiming Pool Rejection o el Ska a medio camino de Hoover Manoover que juega con la canción del Oompa Loopma, ambos promediando el disco. Así vamos escuchando influencias que varían desde el canto gregoriano al pop camboyano o al Funk del cine clase B americano de Dark Draculas.

En Post-Hummus encontramos lo que bien podría ser el grandes éxitos de las sesiones desde diciembre de 2009 hasta enero de 2012, mes en el que se grabaron las tres últimas pistas y en el que se lanzó el disco. Grabado en Bonus Noise Recording Studios el disco trae consigo un manifiesto que dice que todas las canciones fueron grabadas en vivo, sin ideas premeditadas y con letras basadas sólo en hechos recientes. Con todo esto Fog Digging Sessions, es al fin y al cabo, una experiencia de estirpe rockero que oficia de bocanada de aire fresco para el oído que gusta de la psicodelia.

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Cerrado por vacaciones

Cerrado por vacaciiones

Escuchen este disco de Pappo’s Blues y cuando vuelvo me cuentan.

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Mark Lanegan Band – Blues Funeral

El catálogo del sello 4AD sumó a su lista uno de los discos del año 2012. Blues Funeral fue lanzado el 6 de febrero, e invita desde su comienzo a una desconexión al mundo y sus exigencias para sumergirnos en un audio novelezco y lleno de buenas historias de un Mark Lanegan que alcanza su mejor forma en solitario después de los trabajos con Isobel Campbell de Belle and Sebastian.

La génesis de este nuevo disco para Lanegan, que aquí firma como Mark Lanegan Band, fue durante el cierre de la gira de Hawk, el tercer disco con Campbell, a fines de 2010. Con el fin de un ciclo comenzó la etapa compositiva, ya no sólo con guitarra sino también con batería electrónica y teclados, apoyado en  Alain Johannes como productor y principal colaborador en las sesiones de grabación que fueron entre enero y mayo de 2011 en los estudios del sello 4AD.

El uso de loops electro ya lo habíamos escuchado en Bubblegum de 2004 pero aquí vuelve perfeccionado y eficaz en temas como en Tiny Grain of Truth (que bien podría haberla grabado TV on the Radio) y Ode to Sad Disco, que en una primera escucha sorprende porque rompe con el orden establecido por las canciones que la preceden, pero que en atención profunda cobra un sentido esclarecedor dentro del plan que es Blues Funeral con un sampler de Sad Disco de la banda sonora de Pusher II, cortesía de Keli Hlodversson.

En doce temas, más el bonus track japonés Burning Jacob’s Lader, Lanegan es climático y se prueba algunos trajes en el camino con olor a Tom Waits, a Lou Reed y a Leonard Cohen. Hipnotiza con la crepuscular Bleeding Muddy Water, nos llama desde las sombras con Grey Goes Black y nos pone las manos en la espalda con Deep Black Vanishing Train.

Josh Homme aparece una vez más en un disco de Lanegan y ahora lo hace desde Riot in my House, acompañando con un riff juguetón marca registrada. St. Louis Elegy tiene la voz de Greg Dulli, compañeros de The Gutter Twins, que registra un solo Lp titulado Saturnalia de 2008.

El ex líder de Screaming Trees y antiguo miembro de Queens of the Stone Age, armó un cocktail de casi una hora de canciones que musicalizan sesiones de amor o acompañan una lectura de McLaren Ross. Blues Funeral invita a sumergirse por completo desde la portada y dejarse llevar es casi una obligación.

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Thes Siniestros – Los últimos días

En La Plata están pasando cosas graves. Pusieron una nave espacial  con forma de molino y un estéreo a todo volumen donde lo único que suena es Thes Siniestros con muchas de las mejores canciones de 2011. Sobrepasados por lejos los límites del rockabilly psicótico y sus derivados, los desmascarados flipan con una coherencia que asusta.

Desde lo que entienden como su obra más personal hasta la fecha, Thes Siniestros adelanta el fin del mundo con Los últimos días a través de Von Halton Discos y Scatter Records. Así reafirman la búsqueda comenzada por Campos de Satán (2009),  y aunque el planeta acabe su existencia el (ahora) cuarteto platense sentencia que con esos últimos días llega el amor y que “no hay muerte como amarte así” en Las Fiebres Hermosas una de las piezas más bonitas del álbum. Todo se incendia cuando dos ojos conectan por primera y última vez y a los muchachos sólo les importa contarlo en clave de canción.

El gran momento que vive la ciudad universitaria, capital de la provincia, es innegable. Desde ese faro la cordura de Thes Siniestros es locura en la convencionalidad y la planicie porteña mainstream. Tópicos como la soledad, el divague, la inevitable muerte y el indescifrable amor son “las rabias que mueven al mundo” y que movilizan el engrane sonoro de estos cuatro que en poco más de 45 minutos, y una docena de canciones a cuestas, pueden mutar entre más bandas de las que estamos acostumbrados a escuchar en una hora de radio.

Para definir su mejor sonido Thes Siniestros grabó en los estudios Tolosa (ciudad a la que rindieron homenaje en el disco) y contó con el británico Graham Sutton (líder de Bark Psychosis que trabajó con British Sea Power, Jarvis Cocker y Metallica) para la mezcla en Londres. Sumó a Nicolás Digorado en trombón y a Christian Püschel en trompeta (Los Hombres en Llamas), dos trotamundos de la Patagonia que supieron sumar en Shamán y preparan un nuevo disco con Cosecha Espacial para este año. También apareció Dobro, un nuevo integrante que aportó vitalidad, sutileza y melancolía a las canciones compuestas por Juan Irio y Marto, que se sostienen en el ritmo de Flav que es un reloj a lo largo de Los Últimos Días.

Es difícil encontrar un tema que esté por sobre el resto, pero Colina es una canción cuyo clímax se resuelve en menos de dos minutos, pero que no conformes con haber contado casi toda la historia en tiempo de punk con audio rockabilly, los Siniestros se desenvuelven con más de cuatro minutos de paisajes que pintan desde vaya a saber uno qué imagen, pero cuyo resultado es óptimo ya que nos han explotado el cerebro con tantas caras como máscaras han usado sobre el escenario.

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Mostruo! – Perfecto

Alejados del circuito tradicional del rock emergente que establece la autopista Buenos Aires-La Plata, Mostruo! plantea su propio juego tocando cuando y donde quieren, a contramano de la media del under que busca firmar un jugoso contrato que los incluya en los festivales y en los lugares de los dueños de la música. Y en Perfecto, su nuevo disco, ellos tienen la pelota bajo la suela, donde siguen dribbleando entre baladas blueseras y rockitos juguetones que llaman a la empatía para ir a bailar un rato.

Mostruo! es de las bandas que más espectativas generan tanto en su público, como en la prensa, cada vez que anuncia la salida de un nuevo material. Y aunque no sea un grupo de una extensa trayectoria, el cuarteto platense deja su huella en cada paso que da. Con Grosso (06) establecieron un estándar para su audio y llamaron la atención de gente como Gustavo Cerati. El EP Corto (07) confirmó que además de hacer grandes canciones, pueden divertirse con la historia del rock y toda su impostura, donde incluso se lucieron con Canción para naufragios en un tributo platense a Los Redondos. La nueva gran cosa (09) los depositó en una mayor consideración de todos y reafirmó todo lo bueno que venían tejiendo desde el estudio y sobre todo en los shows en vivo, que los tiene como habitués del Pura Vida en medio de las diagonales y con esporádicas visitas a la Capital donde el séquito de seguidores no hace otra cosa más que aumentar.

En Perfecto, Mostruo! hace honor al adjetivo. Y es el mejor ejemplo de cómo se sobrevive en el rock al ego y la estupidez. Kubilai Medina y su ADN de color Manal hace con Lucas Finocchi una de las mejores duplas alguna vez escuchadas. Ambos cantantes, ambos guitarristas, ambos talentosos. Cada uno aporta su estilo a cada canción y conviven en los puntos más altos de su discografía. El Blues y la melancolía descansan en la voz profunda de Finocchi y sus intensos solos caragados de electricidad. Kubilai destella en las altas esferas de su voz y ahúlla con irreverencia mientras marca el ritmo con su sonido valvular. La sangre y el sudor de los hermanos Mutinelli es lo que ordena el bardo que es Mostruo! Desde el antecedente directo de Los Pelegrinos, que después serían Estelares le ponen el beat a las canciones bombeando el pulso de una de las grandes bandas nuevas (que no son muchas) que tiene la escena.

Otro mérito de los 4 de La Plata es lo que dicen sus palabras. Sin intenciones de búsqueda trascendental llegan a su mejor forma en canciones como El Capitán (una de las mejores canciones de 2011), El Fracaso o Las cosas que fueron antes (con una sección instrumental para el recuerdo con Juan Ravioli de invitado), metidos de lleno en una onda introspectiva. La ciclotimia del hombre tiene su nombre en temas como No te pongas así, La feria jipi o Allá está, uno de los temas más distintivos del gen mutante que invade a quienes se dejan tocar por su audio que invita “Déjate llevar, vive la ilusión. No puede hacerte mal…”

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