Acá tienen lo que más gustó en nuestros auriculares durante 2012. Es sustancialmente menos que los 50 discos de 2011, pero no por eso “menos mejores”. Muy pronto algunas palabras sobre cada uno de estos discos con sus respectivos links. Gracias por pasar y feliz 2013 para todos.
Pasaron algunos días del décimo aniversario de uno de los discos fundamentales de la década pasada y pocos se hicieron eco de la potencia de éste álbum. Songs for the Deaf encierra no sólo el mejor concepto sonoro de Queens of the Stone Age sino que además cuenta con una de las mejores formaciones para el rock de aquellos años.
Aquí se concreta la primera colaboración que luego tendría su segunda vuelta en la avalancha Them Crooked Vultures: Dave Grohl se sienta a la batería y revive sus días en Nirvana mostrando todo su poderío detrás de los platos haciendo verdaderos killer riffs desde sus parches. Mark Lanegan es una segunda voz constante que no teme de tomar el mando del micrófono en canciones como A Song for the Dead, Hangin’ Tree y God is in the Radio e incluso firmando algunas de ellas junto con Josh Homme. Nick Oliveri completa el cuarteto en su segunda grabación con QOTSA después de una serie de idas y venidas con Kyuss que termina con su participación este proyecto grabando en Rated R y en éste disco hasta su expulsión del grupo en los meses previos a la grabación de Lullabies to Paralyze. Aquí Oliveri también suma en las voces de Six Shooter en una demostración de demencia incombatible, en Gonna Leave You parándose en a un lado de Sonic Youth con la pose suave del aviso y en el armónico surf de las tinieblas Another Love Song.
Parte del concepto de Songs for the Deaf reside en la intervención de locutores radiales que van interviniendo a lo largo del disco para anunciar algunas de las canciones o para pintar buena parte de los climas que se van proponiendo a lo con los minutos de testigo, pero queda como documento de las radios americanas el zapping entre Do it again y God is in the Radio. El trip viene de los paseos de Homme por la ruta donde sólo lo acompañaba el transistor de su auto y las voces de los host mexicanos que pirateaban el éter en el sur de California.
La producción fue repartida entre Homme, un cerebro más allá de sus días, y contó con la colaboración de su ladero Alain Johannes que sumó algún falso locutor, igual que su mujer Natasha Shneider, quien propuso los arreglos de cuerdas para Mosquito Song al final del álbum.
El éxito de éste disco (ningún otro en la discografía de QOTSA tuvo tantas ventas) descansa en los cortes que fueron seleccionados para Songs for the Deaf, que podrían formar parte sin dudas de una selección de lo mejor que sonó por aquellos años. Canciones como No one Knows, Go with the Flow y First it Giveth definieron al Rock de la R a la K redimensionando las fórmulas del Stoner más desértico, el Hardcore, el Hard Rock y el Rock & Roll.
Helen Burns es el nombre de un personaje de la novela de fines del siglo XIX Jane Eyre y uno de los caracteres más influyentes en la vida de Flea, quien la homenajeó con el nombre de su primer trabajo con firma de “solista”.
La propuesta del bajista de Red Hot Chili Peppers en este EP a beneficio del Silverlake Conservatory of Music es clara: son canciones que no tienen nada que ver con su banda y que responden a un audio directamente vinculado con sus trips hogareños, donde juega con elementos del Jazz, armonías fílmicas y algunas bases electrónicas.
La advertencia de Flea en cuanto al sonido reside en su cosmovisión musical que define como Arty y extraño. Y se despliega como un multiinstrumentista y compositor curioso en sus búsquedas ya sea desde su empuñadura habitual de cuatro cuerdas, desde la guitarra, la trompeta o el piano. Los paisajes que aquí se dibujan son extensos y variopintos. Desde la electrónica más cruda hasta la música de cámara con la inclusión del coro del Conservatorio Silverlake, donde también se suman Jack Irons (Eleven, RHCP, Pearl Jam, The Wallflowers), Chad Smith y el armonicista Tree Barry.
La lista de invitados la cierra Patti Smith que toma la voz y el discurso de Helen Burns en la única pista cantada del cuadro de poco más de 25 minutos, en la que encontramos una fracción de belleza como pocas se han escuchado este año.
Pero sin dudas el eje conceptual de Helen Burns gira en torno a dos de las seis piezas de este rompecabezas: 333 y 333 Revisited que encarnan el camino más experimental de los rincones del laberinto que es el fondo de la casa de Flea, que comienza cerca de Coltrane y concluye tomado de la mano de Omar Rodríguez López, donde climas densos y oscuros pueden ser perseguidos por secuencias de improvisación vertiginosas y sintéticas.
El disco fue lanzado el 19 de Julio a través de la página oficial de Flea, y del conservatorio que auspicia, con la consigna de “ponele tu precio” y apelando a la recaudación a través de la venta de un número limitado de vinilos autografiados y con una cuerda usada durante la gira de presentación de I’m With You de su bajo como souvenir.
The Bravest Man in the Universe comienza anunciando a los gritos su propia virtud. La de poder reinventar un sonido tan característico como el de Bobby Womack en un trip multidisciplinario que combina Dubstep, R&B, Soul e instrumentación orgánica, de la mano de un cerebro como el del ex Blur, Damon Albarn que envolvió 68 años de puro talento en un audio invencible.
XLR editó esta pieza por convicción de Richard Russell quien coprodujo cada pista junto con Albarn, que ya había convocado al Soulman para los temas Cloud of Unknowing y Stylo, uno de los cortes nacidos en Plastic Beach de Gorillaz. La misma convicción que hace dos años llevó al sello a lanzar el último trabajo en 16 años de Gil Scott-Heron con un éxito económico moderado, pero que sin dudas sirvió para probarse que puede capitalizar sus “caprichos”.
Antes del lanzamiento del disco Womack avisó que éste era lo mejor de su carrera y encendió algunas alertas, sobre todo las de los más puristas de una tradición que estuvo sin novedades desde el ’94. Pero maravilloso como es The Bravest Man in the Universe, no podría ponerse por encima del resto de su discografía, incluso con sus momentos menos inspirados.
Introspectivo, autocrítico y honesto, Bobby Womack explota toda su contundencia a lo largo de The Bravest Man… y llega a su zenith en canciones como Deep River donde en dos minutos resuelve su discurso acompañado sólo de su guitarra. Cuando menos lo pensamos aparece Sam Cooke hablando de ser un cantante en una vieja grabación que le deja su lugar a una maquinaria que le da olor a ciudad a lo que nos pasa en los auriculares. Dayglo Reflection la tiene también a Lana del Rey sumándose al piano y a las reflexiones de Cooke. Lejos del ridículo y del botox, la modelo aparece como una voz rotunda.
Stupid aparece como una de esas cartas a uno mismo que comienza con una introducción cortesía del finado poeta Scott-Heron y que tiene una base digna de la envidia de Questlove en una oda al Hip Hop sin un segundo de Rap. Y en ese reconocimiento de la propia estupidez surge la tormenta titulada If There Wasn’t Something There que busca alzar las manos al sol que está escondido tras las nubes en una despedida a alguna de las exesposas de su palmarés.
El Soul sin esperanza no tiene alma y The Bravest Man in the Universe empieza a despedirse con la optimista Love Is Gonna Lift You Up y el Stomp tribal Jubilee, tándem interrumpido por la participación de la cantante de Mali Fatoumata Diawara en Nothin’ Can Save Ya que le aporta misterio y frescura a los beats que amparan a Womack a lo largo de todo el disco.
Hace algún tiempo John Frusciante decidió serle fiel una vez más a sus ganas de hacer y deshacer sin las presiones de una banda, de un sello y sin las presiones que trae aparejado ser el guitarrista de una de las últimas bandas de estadios del Rock. Así fue que dejó a los Red Hot Chili Peppers una vez más, y en compañía de su viejo amigo Josh Klinghoffer para I’m With You, el último disco del grupo.
Pero la inquietud de uno de los guitarristas más lúcidos de la escena no lo llevó a conectarse con su instrumento de forma orgánica como en Curtains, ni mucho menos. Porque más cerca de sus proyectos más experimentales, JAF capitaliza todos sus años detrás de ésa búsqueda artística que lo lleva a diferentes estados de conciencia y lo pone delante de una caja de beats, su viola, y algunos amigos en el skype.
Con Letur-Lefr Frusciante nos lleva a un viaje con aparentes intenciones lisérgicas pero que intenta que abramos el oído para prestar atención a todo lo que hay detrás de los riffs electrónicos que dominan la escena. Porque aquí hay efecterío por doquier y muchos invitados. Los MC’s RZA, Kinetic 9 (miembro de Wu-Tang Clan), Leggezin Fin, Rugged Monk y la rapera Masia One suman en 909 Day y FM dos de las cinco pistas que trae el EP. También la pareja de JAF, Nicole Turley participa del disco en la inocente, aunque no por eso menos esquizoide, In Your Eyes.
La única pista que tenemos de que John Frusciante es un gran intérprete de las seis cuerdas es en Glowe donde aparece un poco de su talento más rockero pero sólo por menos de un minuto. In My Light completa la lista en el cierre de este EP que lo muestra al exPepper como el muy buen cantante que ya conocemos, incluso rodeado de los 8-bit que atarizan el ambiente en un clima combinado entre un colchón armónico en el fondo del auricular y la predominancia electrónica de todo el disco, víctima placentera de los cambios de ritmo inesperados y necesarios.
El propio autor define su actual pieza como un acercamiento al Synth Pop, aunque reconoce que no termina por englobar todo lo que busca hacer con su audio. Y avisa que quien entre a esta experiencia se encontrará con muchos estilos combinados con su propia visión de la instrumentación electrónica y orgánica.
Se supone que Letur-Lefr es el prólogo de lo que vendrá para la discografía de Frusciante: un larga duración titulado PBX Funicular Intaglio Zone que aterrizará en las bateas del mundo a mediados de Septiembre. El plan es lanzarlo primero en Japón, tal y como hizo con este EP que salió el 4 de Julio pasado y se espera que llegue a EUA el próximo 12. Sea como fuere que tenga pensado hacer su camino John Anthony Frusciante siempre será bienvenido por el audio que se proponga abordar.
Desde Nueva York casi siempre llegan buenos discos. Esta vez el epicentro es Brooklyn y el álbum es Open Your Heart de The Men. En diez temas y poco más de lo que dura un tiempo en el fútbol, el cuarteto sale corriendo, salta, grita, se tira en cuatro patas a buscar algo que no perdió, sacude la cabeza, agita los brazos y no muestra ni un poco de miedo.
Definidos por algunos medios como una banda Noise, en este disco The Men busca abrir sus horizontes y escalar hacia el Stoner, el Garage y el Punk hipertenso. El agite headbangger se nutre de las piezas más psicodélicas del folk en algunos pasajes y a Open Your Heart le sienta muy bien, siempre y cuando el oído lo note.
Sin embargo la búsqueda de The Men pareciera estar metida dentro de la densidad. A este disco le sientan de mil maravillas los días lluviosos y fríos donde el único plan posible es enfrentarse con la ciclotimia propia para encarar todos los audios aquí propuestos. Lugar donde alguno verá un terreno desparejo y sinuoso, pero en el que reside una amplitud sonora de influencias que hace que lo que parece hacer agua sea tierra firme.
The Stooges, MC5, Sonic Youth, Stone Roses, Deer Tick y ellos mismos, son los principales referentes de su mezcla. Porque Open Your Heart es uno de esos discos que aparece cada veinte años y que, aunque no destile talento ni elogios, es una huella válida de lo que sucede con la música y su propio revisionismo, en su mejor forma.
“Piedra en el aire, una caricia no fue dada a tiempo…” es la frase que abre una de las canciones más bonitas de La Piedra en el Aire, el disco que lanzaron Flopa Lestani y Ariel Minimal, sin ningún tipo de intención que no sea hacer canciones. Aquí ambos demuestran otra vez la clase de compositores, cantantes y guitarristas que son en un troquel de temas que arman uno de los ensambles más bellos en mucho tiempo.
A través de la colecta colectiva completaron la primera intención titulada “Reducción de daños”, un EP con cuatro canciones que hoy forman parte de La Piedra en el Aire. Cuatro canciones que fueron grabadas porque sí elegidas sólo por ya estar grabadas. A partir de ahí con un ritmo de una canción por ensayo fueron cayendo de a una las canciones dando como resultado un combo de temas que casi en su totalidad es original. Salvo Atolondrón, que es de Flopa y anterior a este disco, junto con Feriado y Cosecha de Amor compuestos con Manza.
Para Minimal y Lestani, lo bueno es lo deforme de componer de a dos con bombardeo de paisajes líricos que van por dos lugares distintos y confluyen en una misma pista. Afluencia de dos maneras de trabajar completamente distintas en un punto medio entre la compulsión compositiva y la pereza cancionera, que arrojan cuarenta minutos de música para el alma.
Lejos de la histeria discográfica, y entendiendo que la exposición suma a las ventas, Azione Artegianale comparte online y edita, como siempre, un buen disco. Grabado, mezclado y masterizado por Mauro Taranto y Checho Marcos sumando armónicas en La Piedra en el Aire manteniendo la calidez y la calidad de la simpleza ornamentada principalmente con voces y guitarras. Alejandro Leoneli, encargado del arte, le pone carbonilla al aire por el que vuela la piedra.
Hay discos que pertenecen a bateas que nos son completamente ajenas, que nos son indiferentes. Pero que cada tanto miramos de reojo cuando nuestro lugar en la música no nos tira una huella sobre la que poner el pie. Mirando uno encuentra. El nuevo disco de Tom Jones entra por la tapa. Y se queda por todo lo que suena.
El mayor mérito de Jones, una vez más, es la elección del repertorio donde no hay espacio para lugares comunes, aunque muchos de los autores de los temas suelen provocar el homenaje obvio. Aquí la mayoría de los temas comparten un Soul y un Blues del que muchos deberían tomar nota ante semejante escuela. Hay canciones introvertidas y con altibajos. Para días fríos y para amaneceres plenos. De las versionas más logradas escuchamos a Odetta (Hit or Miss), Paul Simon (Love and Blessings), Blind Willie Johnson (Soul of a Man) y Tom Waits (Bad as Me) en la voz del galés que con cuarenta discos encima reformuló su nivel de vigencia mostrándose como un intérprete único en su especie.
También son de la partida canciones de Paul MacCartney ((I Want To) Come Home) y Leonard Cohen (Tower Of Song), que abren el disco donde Jones está acompañado por el productor Ethan Johns, Stella Mozgawa (batería), Richard Causon (teclados, guitarras) y los bajistas Ian Jennings y Sam Dixon.
Y aunque podríamos haber degustado en Spirit in the Room alguno de los dos temas que grabó con Jack White, lo de Tom Jones es de una belleza inconmensurable, ideal para darle luz a días espantosos como los que nos suele dar el otoño.
Nonesuch Records es, sin dudas, uno de lo sellos que edita materiales más que interesantes y ofrece uno de los catálogos más variados que podemos encontrar. Entre sus filas figuran Wilco, Dr. John, The Black Keys, Bjork, Sara Watkins, Caetano Veloso y David Byrne, entre muchos otros. Y, en asociación con la firma parisina Because Music, también nos propone desde Mali y para todo el mundo, conocer Folila, un disco desparejo pero efectivo que llega de la mano del dúo Amadou & Mariam.
El bambara es la segunda lengua más usada en Malí después del colonial francés, y en ése idoma Folila significa “música”. Bajo esa idea fundamental, la de hacer música, Amadou & Mariam conformaron una de las listas de créditos más ricas en cuanto a variedad y tamices para su sexto disco de estudio.
Si bien el arcoiris sonoro captó los oídos de buena parte del Mainstream norteamericano y europeo gracias a las producciones de Manu Chao (Dimanche à Bamako 2004) y de Damon Albarn (Welcome to Mali 2008), aquí no hay un cerebro famoso detrás del audio sino la idea del matrimonio de armar un disco que tuviera lo que podría haberse supuesto como “opuestos complementarios” con grabaciones para un disco doble con invitados norteamericanos y europeos más un combo de músicos malienses.
El resultado fue una mezcla de intenciones donde conviven tanto Santigold (Dogou Badia) y Bassekou Kouyate como Teophilus London (Nebe Miri) y el tuareg Abdallah Oumbadougou (Bagnale), entre otros. En Folila, la canción que resalta aún con un repetido número de escuchas es Willy Katso, donde pusieron todo su sonido el nigeriano Tunde Adebimpe y Kyp Malone, ambos de Tv On the Radio desde la composición y los arreglos cargados de groove. Bertrand Cantat suma en varios temas pero se destaca en la oda de amor Oh Amadou, en Africa Mon Afrique, Mogo y Another Way. Jake Shears de Scissors Sisters mete voces en Metmya igual que Ebony Bones en la hermosa C’est pas facile pour les aigles. Los killer riffs amoldados en adobe de Nick Zimmer de Yeah Yeah Yeahs le ponen sal occidental a las melodías desérticas a lo largo de todo el repertorio. Y aún con todo este combo los temas más bellos de Folila son Amadou & Mariam puros: Sains Tou y Chérie.
La motivación integradora del dúo que concretó su matrimonio a principios de los ochenta pero que hacen música juntos desde mediados de los setenta compuso, junto con otros talentosos a su lado, uno de los ensambles más completos y entretenidos del 2012. Con influencias que van desde el mambo, al pop neoyorkino, pasando por el ney del Sahara y los ritmos folklóricos de todo el oeste africano Folila hace honor a la música del mundo y deja a Amadou & Mariam en la lista de candidatos a mejor disco del año.
